Sculpting impermanence and weaving meaning with Joko Avianto
Meet Java-based Indonesian sculptor investigating our fleeting existence through philosophical explorations of form, material, and bamboo.
I first met Joko as a doe-eyed paid intern for a hot new-ish Art Fair, led by the man behind the success of the world-renowned Art Basel. Joko was the artist invited in 2013 to build the fair's entrance arch (pictured below).
What struck me about Joko was his bravery in the medium he chose: bamboo.
By the way, just a heads up.
This series now lives in it’s new home at HueVoices.
You can read the updated version and subscribe to the latest interviews here.
Bamboo is notoriously difficult.
Renowned for its ferocious reputation especially when untamed in the wild— often to the detriment of other species in its way— it’s also a material known for its hard, sturdy, and reliable rigidity.
It’s why bamboo though relatively light, compared to metals, is still used as scaffolding and lasting structures today in places where it’s abundant—in Hong Kong for scaffolding and as Bali’s Green School main structures. Bamboo is a win-win as it’s also a sustainable and cost-effective alternative to steel.
Joko’s is a highly skilled craftsman who displays artistry through his patience, perseverance, and dedicated exploration to his chosen medium.
Years in the making, he continues to surprise audiences with his determination to perfect the skill of working with one of the world’s most unyielding materials; miraculously tamed to an obedient, fluid, and flexible element which yields to his shapely forms and intricate imaginations.
More than a decade on, I was grateful to reconnect. Though over the years our interactions have been brief, I’ve learned a lot from Joko. I am honored to share a slice of his story and vision for bamboo. Enjoy!
Name/Nama: Joko Avianto
Kota tinggal saat ini/ Current City: Cimahi, Java, Indonesia
*This interview was translated from the original Bahasa Indonesia into English.*
Seorang pematung dan juga dosen seni rupa di sebuah perguruan tinggi negeri di Bandung. Bagi publik seni rupa, saya dikenal dengan karya-karya patung dan seni Instalasi dengan skala ruang dan monumental, dan Sebagian besar menggunakan material bambu. Di Rumah tentunya saya adalah seorang suami dan ayah dari dua orang anak laki-laki.
A sculptor and a fine arts lecturer at a public university in Bandung. In the art world, I’m known for my large-scale sculptures and installations, primarily using bamboo as my material of choice. At home, I’m a husband and a father to two sons.
Soundtrack hidupku adalah The Dream, Michael Franks.
Yang pernah aku rasain terakhir yang buat aku berkesan adalah…
Buku: Animal Farm dari George Orwell
Film: Interstellar, Christopher Nolan
Karya seni: Joseph Beuys, Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch, 1958-1985
Pengalaman yang pernah aku rasain terakhir yang buat aku berkesan adalah mengunjungi dan melihat karya-karya monumental di Gibbs Farm di NZ.
Outfit (baju/sepatu/style) andalan aku sekarang adalah sneakers collabs, minimalist style, and streetwear.
Ide self-care versiku adalah: Olah raga, Makanan sehat, Berkarya
Mantra hidup utama aku adalah: Aku bukan membandingkan, aku hanya berkembang
The soundtrack of my life: "The Dream" by Michael Franks
The last experience that left a lasting impression on me was...
Book: Animal Farm by George Orwell
Film: Interstellar, Christopher Nolan
Artwork: Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch (Lightning with Stag in Its Glare), Joseph Beuys (1958-1985)
A recent unforgettable experience was visiting Gibbs Farm in New Zealand and seeing the monumental sculptures firsthand.
My go-to outfit/style right now are sneakers, collabs, minimalist style, and streetwear.
My version of self-care is exercise, healthy food, and creating art.
My life mantra is “I don’t compare, I grow and evolve.”
Alamat email kamu juga menarik, kenapa kamu memilihnya? Apa makna di balik alamat email itu?
Lawanperanggi adalah sebuah kata yang saya ambil dari novel trilogy Pramudya Ananta Toer berjudul “Arus Balik”, kata ini merupakan sebuah ungkapan dan ekspresi seorang pemegang teguh tradisi yang wilayah tempat dia tumbuh dan berkembang siap didatangi komunitas bangsa lain diluar tradisinya.
Apa yang telah berubah dalam metode/teknik/gaya kamu terhadap bambu sekarang? Bagaimana seni dan cara kerjamu berevolusi selama ini?
Semakin hari semakin memahami secara filosofi bahwa material bambu ini dapat dilihat dari sudut pandang yang berbeda dengan kebanyakan orang, misalnya pada karya instalasi sebelumnya Twistifying, forming dan installing adalah metoda kunci, tetapi sekarang mengekspos daging bamboo menjadi kulit pada permukaan patung adalah pertanyaan filosofis antara “dalam dan luar”.
Apakah kamu masih memiliki semangat yang sama terhadap material ini? Kenapa iya atau tidak?
Tentu sangat semangat karena bagi saya bukan sekedar materialnya tetapi metoda sculpture lah yang memilih materialnya dalam hal ini bamboo. Jika kurang bersemangat karena subject matternya terkadang tidak sesuai dengan material bamboo.
Tema apa yang sering kamu eksplorasi dalam karya senimu?
Saya menyenangi filosofi bentuk dan material yang berkenaan dengan pemikiran lingkungan.
Apa yang kamu harapkan orang rasakan atau dapatkan setelah melihat karyamu?
Beberapa karya saya berkaitan dengan sifat ephemeral, terutama karya instalasi, Ketika material bambu adalah gambaran dari kesementaraan, saya berharap publik menangkap pesan ini, jika tidak saya cukup heran karena fitrahnya manusia bersifat fana.
Apakah karya-karyamu memiliki identitas budaya atau muatan nasionalisme, atau lebih merupakan bentuk ekspresi pribadi?
Mungkin irisan yang pas menurut saya adalah universalitas.
Momen apa yang paling berkesan, mengejutkan, atau luar biasa dalam perjalananmu sebagai seniman?
Menjadi bagian dari sebuah perhelatan seni 3 tahunan di Yokohama, dimana karya saya dipercaya mengisi di hall utama titik ruang yang pernah ditempati karya2 seperti cai guo qiang, takashi murakami, anselm kiefer dan bersebelahan langsung dengan seniman kelas dunia; ai wei wei dan seniman berpengaruh lainnya. Tentunya kesempatan seperti ini akan sangat langka di hidup anda.
Menurutmu, apakah seni adalah bagian penting dari masyarakat? Kenapa iya atau tidak?
Idealnya adalah bagian dari diri masyarakat, sebagai identitas yang melekat tanpa ada pemaksaan atau tendensi tertentu, tapi cita-cita ini masih menjadi tantangan di Indonesia.
*PERTANYAAN LANJUT: Aku ingin memahami lebih dalam kenapa kamu berpikir ini kenyataanya dan kenapa kamu merasa cita-cita ini masih jadi tantangan di Indonesia? Peran seperti apa yang kamu harapkan seni berkembang dalam masyarakat di Indonesia?
Akan coba dijawab ya, setidaknya ini pikiran sendiri berdasar atas pengalaman di karir atau di pendidikan...jadi....kenapa seni masih menjadi tantangan di Indonesia karena terdapat gap pemahaman dalam masyarakatnya sendiri, salah satu faktor yaitu studi-studi tentang seni.
Karena seni di Indonesia bagi masyarakat adalah seni yang bersifat komunal, kolaboratif, inisiatif, spontan, beberapa tanpa ada warisan pencatatan dan studi yang mendalam. sementara yang terjadi di Eropa atau Amerika sebut aja Barat (tempat dimana seni telah mapan menjadi bagian dari studi budaya), seni yang bersifat eksplorasi individualis, gagasan pribadi adalah yang terpenting, tetapi juga mulai dipertanyakan Hegemoni seni barat terhadap perkembangan seni Rupa di dunia lainnya.
Hal lainnya misalnya seni rupa sebagai komoditas yang memiliki value bahkan belum ideal karena infrastruktur seni dan pelakunya masih bersikap setengah hati mengadopsi pola industri di seni rupa Barat.
Maka yang terjadi bentuk apresiasinya akan dirasakan sangat berbeda, tentunya masyarakat di Indonesia masih harus terus belajar dan beradaptasi dalam menghadapi perkembangan-perkembangan seni.
Mudah-mudahan tidak pusing ya!
Pernahkah kamu merasa kesulitan dalam menyeimbangkan antara menciptakan seni untuk dirimu sendiri dan untuk audiens? Bagaimana cara kamu menghadapinya?
Dalam mencipta terkadang pesan yang diinginkan dari karya tidak sampai pada audience, tetapi ini hal yang sangat wajar dalam kesenian, saya juga merasa tidak perlu untuk menyesuaikan pada selera umum bahkan misalnya “pasar”, menghadapinya tetap produktif mencari cara dalam berkarya dan berusaha terus membangun diskursus dan menawarkan kebaruan lewat karya yang kita buat.
Apa definisi seni untukmu?
Seni adalah keniscayaan wujud dari lenturnya ide-ide dan persepsi diri atas alamnya. Wkwkwkkw…. Setidaknya itu yang saya pikirkan…
Apa definisi kesuksesan untukmu?
Kesuksesan itu sifatnya relatif, dan bagian dari capaian-capaian yang pernah dilalui, jika kita berkembang artinya ada puncak kesuksesan lainnya didepan.
Apa satu kesalahpahaman tentang menjadi seorang seniman yang sering dimiliki orang dan ingin kamu bantah?
Bahwa seniman adalah mahluk yang paling kreatif, dan dengan bermodalkan skill seni yang tinggi belum cukup menjadi manusia-seni.
Bagaimana seni dan perjalananmu sebagai seorang seniman mengubah cara kamu melihat dirimu sendiri dan dunia ini?
Menjadi seniman adalah pilihan hidup yang cukup unik dan menantang, Sebagai seorang pematung, seni telah mengajarkan saya untuk melihat dunia dalam dimensi yang lebih dalam—bukan hanya formasi bentuk dan tekstur, tetapi juga makna di balik setiap plastisitas bentuk dan ruang kosong. Proses membentuk sesuatu dari bahan bambu mengajarkan saya kesabaran, ketahanan, dan penghormatan terhadap proses penciptaan.
Saya melihat diri saya sebagai bagian dari perjalanan yang terus berkembang, di mana setiap karya adalah refleksi dari pemahaman saya terhadap emosi, sejarah, dan kehidupan di sekitar saya. Dunia tidak lagi hanya sekadar apa yang tampak, tetapi juga tentang bagaimana sesuatu dirasakan, diinterpretasikan, dan dihargai.
Your email address is intriguing—why did you choose it? What’s the meaning behind it?
“Lawanperanggi” is a term I borrowed from Arus Balik, a novel by Pramoedya Ananta Toer. It’s an expression that represents someone deeply rooted in tradition, standing at the threshold of change as their homeland welcomes influences from outside cultures.
How has your approach to working with bamboo evolved over time? How has your artistic process changed?
Over time, I’ve come to understand bamboo on a more philosophical level, seeing it in ways that most people might overlook.
In my earlier installation works, such as Twistifying, the key techniques were twisting, forming, and installing. Now, I’m exploring the concept of exposing the inner layers of bamboo as an external surface—a philosophical inquiry into the relationship between “inside and outside.”
Do you still feel the same passion for working with this material? Why or why not?
Absolutely. For me, it’s not just about the material itself—it’s about the sculptural process. The methodology dictates the material, and in this case, bamboo continues to be the right choice. If my enthusiasm ever wanes, it’s usually because the subject matter sometimes doesn’t align well with bamboo as a medium.
What themes do you frequently explore in your work?
I’m drawn to the philosophy of form and material, particularly in relation to environmental thought.
What do you hope people feel or take away from your work?
Many of my installations explore the idea of impermanence. Bamboo, by its nature, embodies transience. I hope viewers grasp this essence—because if they don’t, I find it surprising. After all, impermanence is fundamental to human existence.
Would you say your work carries cultural or national identity, or is it more of a personal expression?
I’d say the most fitting balance lies in universality.
What has been the most memorable, surprising, or extraordinary moment in your journey as an artist?
Being part of a major triennial in Yokohama, where my work was exhibited in the main hall—a space that has previously housed works by artists like Cai Guo-Qiang, Takashi Murakami, and Anselm Kiefer. My installation was placed directly beside Ai Weiwei’s work and other globally renowned artists. Moments like this are rare in life.
Do you believe art is an essential part of society? Why or why not?
Ideally, art should be an integral part of society—an identity that is deeply embedded, rather than something imposed or forced. However, realizing this vision remains a challenge in Indonesia.
*FOLLOW UP QUESTION: I’d love to understand why you see this as the reality and why you feel this dream is still a challenge in Indonesia? What kind of role do you hope art will play in shaping society?
I’ll try to answer this—at least from my own thoughts, based on my career and education experience. So, why is art still a challenge in Indonesia?
One reason is the gap in understanding within society itself, particularly when it comes to formal studies on art. In Indonesia, art is often seen as communal, collaborative, spontaneous, and initiative-driven—sometimes without extensive documentation or deep academic study.
Meanwhile, in Europe and the U.S.—let’s call it the West—art has long been integrated into cultural studies, emphasizing individual exploration and personal expression. That said, even in the West, the dominance of Western art over global artistic development is now being questioned.
Another challenge is the perception of visual art as a commodity. The market value of art in Indonesia is still not ideal because the infrastructure and industry players haven’t fully committed to adopting the professionalized art industry models seen in the West.
As a result, appreciation for art here feels very different. Indonesian society still has a lot of learning and adapting to do as the art world continues to evolve. Hope this all makes sense.
Have you ever struggled with balancing art as personal expression versus creating for an audience? How do you navigate that?
There are times when the intended message of my work doesn’t fully reach the audience, but that’s natural in the art world. I don’t feel the need to cater to popular taste or market trends. Instead, I stay productive, continuously experimenting with new methods, and engaging in discourse through my work.
How do you define art?
Art is the inevitable manifestation of fluid ideas and personal perception in relation to nature. hehehe…at least, that’s how I see it.
How do you define success?
Success is relative—it’s made up of milestones along the way. If we keep evolving, that means there’s always another peak ahead.
What’s one common misconception about being an artist that you’d like to challenge?
That artists are the most creative beings. Having artistic skill alone isn’t enough—it takes much more to truly embody the essence of being an artist.
How has art and your journey as an artist changed the way you see yourself and the world?
Choosing to be an artist is an unusual and challenging path. As a sculptor, I’ve learned to see the world in deeper dimensions—not just in terms of form and texture, but in the meaning behind every shape and empty space.
Working with bamboo has taught me patience, resilience, and profound respect for the creative process. I see myself as part of a constantly evolving journey, where each piece I create reflects my understanding of emotion, history, and life itself. The world is no longer just what’s visible—it’s about how things are felt, interpreted, and valued.
Hit the heart ‘❤️’ button if you enjoyed this edition.
HUEVOICES is free for all, as an effort to spotlight the incredible talent from the region I call home. The aim is to elevate diverse voices from Asia to the world. Do spread the word if something resonated with you.
If you value what I do, consider supporting me or leave me a one-time tip if you’re not ready for an LDR just yet. As a solo creator, I rely on readers support, like yours—and it’s just $5/month or $30/annually to gain full access and help me keep this effort going.
Let’s normalise paying for the creators and things you value so ads don’t rule and ruin our world.
Thank you for spending some of your day with me.
